하코네 야외 박물관은 헨리 무어의 조각품 26점을 소장하고 있으며, 규모 면에서 세계 최대 규모의 작품 컬렉션을 보유하고 있습니다. 1948년부터 1984년 사이에 제작된 작품으로 무어의 전성기부터 말년에 이르기까지 다양한 작품이 전시되어 있습니다. 무어가 기증한 작품인 '직립 연결된 형태'(1979)와 전 미국 부통령 넬슨 록펠러로부터 인수한 '가족 그룹'(1948-49)을 중심으로 1986년에 추가로 인수한 16점의 작품까지 무어 예술의 정수를 보여주는 뛰어난 작품들로 구성되어 있습니다.

하코네 야외 박물관은 헨리 무어의 조각 작품 26점을 소장하고 있어 규모 면에서 세계 최대 규모의 컬렉션을 보유하고 있습니다. 1948년부터 1984년 사이에 제작된 작품으로 무어의 전성기부터 말년에 이르기까지 다양한 작품이 전시되어 있습니다. 무어가 기증한 작품인 '똑바로 연결된 형태'(1979)와 전 미국 부통령 넬슨 록펠러로부터 인수한 '가족 그룹'(1948-49)을 중심으로 1986년에 추가로 인수한 16점의 작품까지 무어 예술의 정수를 보여주는 뛰어난 작품들로 구성되어 있습니다.
무어는 영국에서 미술 교육을 받고 그곳에서 계속 살면서 작품을 제작했습니다. 입체파와 초현실주의, 멕시코와 부족 예술에서 영감을 받아 독특한 야외 조각 스타일을 확립하여 국제적인 찬사를 받았습니다. 그는 영국 조각에 활력을 불어넣었으며 여전히 지배적인 인물로 남아 있습니다.
투피스 리클라이닝 피규어에서 볼 수 있듯이: Cut(1979-81)에서 볼 수 있듯이 그의 조각의 매력은 유기적인 형태와 밀도, 부피의 분포를 통해 공간을 창조하는 능력에 있습니다. 인간의 형상과 뼈, 자갈, 조개, 나무 등 자연에서 볼 수 있는 형상을 바탕으로 한 그의 작품에서 간결한 형태는 대자연의 기복과 공명하는 곡면을 표현하여 견고한 안정감을 심어줍니다. 무어는 "견고한 형태와 반대편 공간인 하늘을 대조하기 때문에 하늘보다 더 좋은 조각 배경은 없다"고 설명합니다. 사가미만이 내려다보이는 광활한 공간에 자리한 <누워 있는 인물>: 아치 다리(1969-70)는 하코네 야외 박물관 소장품으로 그 매력을 충분히 보여줍니다.
또한 무어는 자신의 작품을 세 가지 주제로 설명했습니다. "제 작품에는 '어머니와 아이', '기대어 있는 인물', '내부와 외부의 형태'라는 세 가지 반복되는 주제가 있습니다." 이 세 가지 테마는 하코네 야외 박물관 컬렉션에서 모두 볼 수 있습니다.

무어는 1921년 런던의 왕립미술학교에 입학했습니다. 대영박물관을 자주 방문하여 멕시코 조각을 공부하던 그는 이듬해에 영감을 받아 '어머니와 아이' 시리즈를 시작하게 됩니다.

무어는 1921년 런던의 왕립예술학교에 입학했습니다. 멕시코 조각품을 연구하기 위해 대영박물관을 자주 방문하던 그는 이듬해에 영감을 받아 어머니와 아이 시리즈를 시작하게 됩니다. 부모가 모두 포함된 가족 그룹은 "어머니와 아이"라는 주제의 변형이라고도 할 수 있습니다. 무어는 남성 인물의 조각을 거의 제작하지 않았지만, 이 작품에는 어머니의 왼쪽 어깨에 손을 얹은 아버지의 모습이 포함되어 있는데, 이는 작품 기획 단계에서 딸 메리가 태어났을 때 아버지가 된 무어 자신의 경험을 반영한 것입니다. 부모의 팔은 아이의 중앙 인물을 중심으로 유려한 곡선을 그리며 이어져 가족의 유대를 잘 표현하고 있습니다. 부모의 품에 안긴 아이의 모습 또한 '내적/외적 형태' 테마의 발전입니다. '가족 그룹' 작업은 제2차 세계대전 이전에 캠브리지셔의 교육 책임자가 무어에게 어린이와 학부모를 위한 배움의 장소로 구상된 학교를 위한 조각품을 제작해 달라는 의뢰를 하면서 시작되었습니다. 하지만 재정적인 문제로 인해 학교는 실현되지 못했습니다. 무어는 1947년 이 프로젝트에 대해 알고 있던 다른 교육자로부터 다른 학교의 의뢰를 받은 후 마침내 패밀리 그룹이 결실을 맺게 됩니다. 청동으로 주조한 최초의 실물 크기 조각품인 만큼 주조 작업은 힘들고 시간이 많이 걸렸지만, 그 결과 인간애를 훌륭하게 구현한 작품이 탄생했습니다. 이후 무어는 어머니와 아이라는 주제를 추구하며 '어머니와 아이'를 통해 추상화에 접근했습니다: 80세가 된 후 제작한 '블록 시트'를 통해 추상화에 접근했습니다. 그럼에도 불구하고 작은 생명을 소중히 여기는 어머니의 웅장한 모습은 어떤 보편적인 가치를 불러일으킵니다.

무어에 따르면 "인물에는 세 가지 기본 포즈가 있습니다. 하나는 서 있는 자세, 다른 하나는 앉은 자세, 세 번째는 누워 있는 자세입니다. 하지만 이 세 가지 포즈 중 기대어 있는 인물은 구도적으로나 공간적으로 가장 자유롭습니다.

무어에 따르면, "사람의 기본적인 포즈는 세 가지가 있습니다. 하나는 서 있는 자세, 다른 하나는 앉은 자세, 세 번째는 누워 있는 자세입니다. 하지만 세 가지 포즈 중 기대어 있는 자세가 구도적으로나 공간적으로 가장 자유롭습니다. 자유로우면서도 동시에 안정감을 줍니다." 이런 이유로 이 포즈는 그가 가장 자주 반복하는 소재가 되었습니다. 무어가 1924년에 제작한 최초의 기대는 인물은 더 이상 존재하지 않지만, 1929년에는 멕시코 톨텍-마야 문화의 비의 정령과 관련된 차크물 조각상에서 영감을 받아 목이 올라간 독특한 자세의 인물을 묘사한 '리즈 아트 갤러리, Reclining Figure'(Leeds Art Gallery)를 제작했습니다. 그 후 말년까지 그는 다양한 포즈를 취하는 일련의 기대어 있는 피규어를 제작했습니다. 투피스 리클라이닝 피규어 1호에서는 마케트 단계에서 피규어의 몸통을 분할하여 바위나 산을 연상시키는 두 가지 형태를 만들었습니다. "인체의 형태를 두 부분으로 나누어 조각품이 풍경과 어우러지도록 한 것은 관객이 그곳에 사람의 형상을 기대하지 않기 위한 의도"였습니다. 이 두 형태 사이에 생긴 공간에는 긴장감이 가득합니다. 관객이 위치를 바꾸면 한쪽이 다른 쪽을 감추고 놀랍도록 다양한 형상이 연이어 등장합니다.

무어는 1939년부터 1940년 사이에 제작된 <헬멧>(헨리 무어 재단)을 통해 '내부/외부 형태'라는 주제로 처음 작업했습니다. 이 주제와 관련하여 무어는 다음과 같이 말했습니다: "저는 한 형태가 다른 형태에 의해 보호받는다는 이 아이디어를 바탕으로 다른 조각을 제작했습니다.

무어는 1939년부터 1940년 사이에 제작된 헬멧(The Helmet, Henry Moore Foundation)을 통해 '내부/외부 형태'를 주제로 처음 작업했습니다. 이 주제와 관련하여 무어는 다음과 같이 말했습니다: "저는 하나의 형태가 다른 형태에 의해 보호된다는 이 아이디어를 바탕으로 다른 조각품을 만들었습니다. [...] 헬멧의 내부는 실제로 피규어이고 외부 케이스는 전투에서 보호받을 수 있는 갑옷과 같습니다. 제 마음속에는 어머니와 아이에 대한 생각과 탄생과 배 속의 아이에 대한 생각도 있었다고 생각합니다. 이 모든 것이 이 내부와 외부의 아이디어로 연결되어 있습니다." 직립형 내부/외부 형태: '꽃'은 내부/외부 형태 시리즈의 첫 번째 작품으로, 바깥쪽 꽃잎이 안쪽 수술을 보호하는 듯한 꽃을 묘사한 작품입니다. 이 유기적인 형태는 무어가 초현실주의에 심취했음을 나타냅니다.

무어는 처음에는 스케치를 참고하여 직접 조각했지만 1935년경부터 대규모 작품을 제작하기 시작했고, 이를 위해 먼저 왁스, 석고, 테라코타로 작은 마케트를 제작했습니다. 손바닥에 들어갈 정도로 작은 이 마케트는 무어가 다양한 방향에서 자신의 조각을 볼 수 있게 해주었고 형태와 구성을 테스트하는 수단으로 사용되었습니다.

무어는 처음에는 스케치를 참고하면서 직접 조각했지만 1935년경부터 대규모 작품을 제작하기 시작했고, 이를 위해 먼저 왁스, 석고, 테라코타로 작은 마케트를 제작했습니다. 손바닥에 들어갈 정도로 작은 이 마케트는 무어가 다양한 방향에서 자신의 조각품을 볼 수 있게 해주었고 형태와 구성을 테스트하는 수단으로 사용되었습니다.
야외 전시와 같이 더 큰 작품을 만들기 위해 마케트를 확대할 때는 먼저 점토나 스티로폼으로 축소된 '작업 모델'을 만들어 주물을 제작했습니다. 그런 다음 이 모형을 정밀하게 확대하고 주조하여 실물 크기의 작품을 완성했습니다. 이 과정에 대해 무어는 이렇게 말했습니다: "작품에 기념비적인 요소가 있으면 원하는 크기로 얼마든지 확대할 수 있습니다." 예를 들어 '스핀들 피스'는 처음에는 석고로 만든 16cm 높이의 마케트로 시작했지만 이후 86cm 높이의 모형으로 제작되었고, 최종적으로는 3.33m 높이의 기념비로 확대되었습니다.
완성된 조각품과 마찬가지로 각 마케트와 작업 모형에 대해 여러 개의 주형을 제작하고, 동일한 주형으로 제작된 각 작품에 에디션 번호를 추가했습니다. 예를 들어, 9개의 시리즈에서 세 번째로 주조된 조각품에는 받침대나 작품의 다른 눈에 띄지 않는 부분에 "3/9"가 새겨져 있습니다.
청동 작품은 표면에 녹청을 만들기 위해 화학적 처리를 거쳤습니다. 녹청이란 구리에 생기는 녹과 같은 코팅이지만 조각된 표면에 회화적인 효과를 주기 위해 인위적으로 만들어집니다. 무어는 작품을 전시할 장소에 따라 색상을 변경하기도 했습니다.